Sunday, 18.01.2015
New Series: Home of the Brave: Archeology of the Moving Image
Home of the Brave – Archaeology of the Moving Image
“The function of the image, as Gogol said, is to express life itself, not ideas or arguments about life. It does not signify life or symbolize it, but embodies it, expressing its uniqueness.”
Andrey Tarkovsky, Sculpting in Time
Under the roof of the title Home of the Brave, Corner College evolves a series of rather heterogeneous events with lectures, talks, screenings, workshops, performative relations and experiments that de-automate our “experiences of vision” (Vertov), in a multivalent engagement with the aesthetics and politics of the moving image and its creative, analytical, critical and feminist power, rather than to represent certain concepts of trends or schools.
We, borrowing this “WE” from “WE: Variant of a Manifesto’’ by Dziga Vertov, which is actually a collective persona of three: a director, a camera operator, and an editor, we, “a collectivity” of themes, problems and questions, we, with the magnitude and collectivity of the event, “on the wing of hypothesis” and analysis, we contemplate the moving image as a collection and composition of relations of movement and rest, we go with the rhythm of its movements to experience the moment of the direct image and concrete time: “Drawings in motion; Blueprints in motion; Plans for the future;” and beyond.
The main title of this series is appropriated from Laurie Anderson’s 1986 concert film or multimedia ‘talking opera,’ in which one can encounter a hallucinatory world of bizarre magnitudes of composed sequences or lengths, mobilizing all quantity and intensities of disconnected virtual raining drops that come down and go underground and then come back, as they are composing quantities. These dots of ungrounded or groundless smaller and larger pieces are the virtual impregnation of the real with thousands of specters.
See the complete text by Dimitrina Sevova announcing the series: PDF (145 KB).
Monday, 19.01.2015
20:00h
"Video war damals wie heute künstlerisch nicht festgeschrieben. Das schafft Raum."
Deutsch (English below):
Das Medium Video (und Audio) war das ideale Medium für die feministische Künstlerin der 80iger Jahre. Video war damals wie heute künstlerisch nicht festgeschrieben. Das schafft Raum. Es gab schon damals, als wir anfingen, tolle Vorreiterinnen wie Ulrike Rosenbach, Joan Jonas, Valie Export u.a. auf die wir uns beziehen konnten. Video ist ein „praktisches“ Ding, es ist kompakt, leuchtend und klein und schliesst soviel ein: Bild, Bewegung, Zeitlichkeit, Rhythmus, Abstraktion, Figur, Erzählung, Farbe, Sprache, Musik, Dokument und Fiktion. Video wie Musik impliziert Teamarbeit, das hilft gegen künstlerische Einsamkeit. Das ist schön.
English (Deutsch siehe oben):
The medium of video (and audio) was the ideal medium for the feminist artists of the 1980s. Video was then not artistically determined, and still isn’t. This makes space. Even then, as we started, there were amazing pioneers like Ulrike Rosenbach, Joan Jonas, Valie Export and others, to which we could refer. Video is a “practical” thing; it is compact, bright and small and includes so much: image, movement, temporality, rhythm, abstraction, figure, narration, color, language, music, document and fiction. Video, like music, implies teamwork; this helps against artistic loneliness. This is beautiful.
Archeology of the
Moving Image
Friday, 23.01.2015
20:00h
Deutsch (English below):
Die wiederkehrende Koexistenz von Videoinstallation, Skulptur und Zeichnung in Zilla Leuteneggers Arbeiten steht auch in der Performance mit dem Titel „Uncanny Likeness“ im Fokus. Es werden zwei essentielle Themen in Zilla Leuteneggers Arbeiten auftauchen: Einerseits die Kombination von Farben und Formen und andererseits der “bewegte Strich im Raum”.
Anders als in den räumlichen Installationen wird hier eine Momentaufnahme stattfinden, die nach der Performance wieder verschwindet. Mit „Uncanny Likeness“, also mit einer frappierenden Ähnlichkeit, soll dieser Versuch, eine Ballerina zu imitieren, ein Rennrad zu fahren oder Gewicht zu stemmen, von ihr mit einer gefühlten Leichtigkeit in bewegte Bildinstallationen in Einklang gebracht werden. Es sind Momentaufnahmen unaufgeregter Alltagssituationen.
English (Deutsch siehe oben):
The recurring coexistence of video installation, sculpture and drawing in Zilla Leutenegger’s works is once again the focus of her performance under the title “Uncanny Likeness”. Two of the essential themes of her work will make their appearance: On the one hand, the combination of colors and forms, and on the other the “moving line in the space”.
Unlike in spatial installations there will now be a snapshot that disappears after the performance. With “Uncanny Likeness” she shall try to reconcile her attempt to imitate a ballerina, to ride a race bicycle or to lift weights, with perceived ease, into moving image installations. These are snapshots of unexciting everyday situations.
Archeology of the
Moving Image
Tuesday, 27.01.2015
20:00h
The Interview as Artistic Practice.
You want to teach me what migration in Switzerland is all about?
Ingrid Wildi-Merino
Deutsch (English below):
Die chilenisch-schweizerische Künstlerin Ingrid Wildi Merino wurde 1963 in Santiago de Chile geboren und musste wegen der Diktatur mit ihrer Familie 1981 ins politische Exil in die Schweiz emigrieren. Sie verwendet Interviews und Installationen, um einen Bereich der Reflektion herzustellen im Hinblick auf Migration, Deterritorialisierung und den daraus resultierenden Status des Deplaziert-Seins. Ihre Arbeit hinterfragt die Globalisierung, was sie dazu führt, sich mit Migration zu beschäftigen sowie mit anderen Fragestellungen wie soziale, kulturelle und politische Differenzen in Bezug auf die Ökonomie und die globale Entwicklungspolitik, die der Migration entspringen.
Die europäischen Gesellschaften durchlaufen derzeit einen komplexen Prozess der Wiederanpassung der Strukturen und Mechanismen, die seit dem 18. Jahrhundert die Diskurse der Moderne gestützt haben (Kant, Rousseau, Hegel). Dieser Prozess beruht teils auf dem Zusammenbruch der modernen Meta-Geschichten, unter ihnen das sogenannte Ende der Utopien und das Ende der Geschichte. Gleichzeitig haben Mikronarrative zu Migration neue Möglichkeiten aufgezeigt, das Zusammentreffen von kulturellen Räumen, von Menschen und Politiken zu verstehen. Seit den 1960er Jahre gab es eine Massenmigration von Lateinamerikaner_innen, um der komplexen politischen Situation zu entrinnen und bessere wirtschaftliche Bedingungen zu suchen – Beweggründe, die nicht gänzlich voneinander zu trennen sind. Insbesondere in Europa hat dieses Phänomen die Landkarten der Identität in Aufnahmeländern verändert, auch wenn diese Landkarten oft als eine Art Negativität im kollektiven Unterbewussten versteckt bleiben. Desgleichen sind die Gemeinschaft, die sozialen Bindungen und die nationale Identität der Migrant_innen in den neuen veränderten Räumen in stetem Wandel begriffen, verklingen und werden neu strukturiert.
In Ingrid Wildi Merinos Arbeiten geht es um vertriebene Menschen, deren Reisen und Dislozierung in bestimmten europäischen Gesellschaften. Sie produziert Landkarten von Outsidern, die sich nicht integrieren, sondern vielmehr ihrer Distanz und der Schichten, die in einem bestimmten Gesellschaftsgefüge bestehen, gewahr werden. Ihre Arbeit ist besonders relevant in einem europäischen Kontext, da sie über eine Figur nachdenkt, die unsichtbar gemacht oder in subjektive Wahrnehmungen gehüllt wurde. Sie zeigt Geschichten und Erfahrungen von Migrant_innen, die Bedeutung, die sie ihrer Vertreibung, ihren Gegenständen, ihrer Poesie und ihrer mündlichen Überlieferung beimessen.
Die Künstlerin beschreibt ihre Arbeit als Video-Essays, die eine Landkarte und einen kritischen Raum für Reflektion herstellen, in ausreichender Abgrenzung zum Dokumentarischen. Indem sie Interviews in nicht-journalistischer Weise verwendet, als künstlerische Praxis, die Fragmente kombiniert und anordnet, um eine neue Form der Narration zu produzieren, versucht sie, eine andere Lesart und eine unterschiedliche analytische Sichtweise auf die Auflösung sozialer und kultureller Bindungen aufzuzeigen. Ihr künstlerischer Diskurs situiert sich daher inmitten vermischter, migrantischer Identitäten im steten Wandel. Die Künstlerin produziert Installationen mittels unterschiedlicher Medien, Texten, Video-Essays und Photographie.
English (Deutsch siehe oben):
Chilean-Swiss artist Ingrid Wildi Merino was born in Santiago de Chile in 1963 and had to emigrate to Switzerland with her family in 1981 into political exile from the dictatorship. She uses interviews and installations to create an area of reflection, focusing on migration, deterritorialisation and the resulting out-of-place status. Her work questions globalisation, leading her to look at migration and other issues including social, cultural and political differences related to the economy and global development policy resulting from migration.
European societies are currently going through a complex process of re-adapting the structures and mechanisms that have supported discourses on modernity dating from the 18th century (Kant, Rousseau, Hegel). This process is partly due to the collapse of modern meta-stories, including the so-called end of utopias and the end of history. At the same time, migration micro-narratives have established new ways of understanding the meeting of cultural spaces, people and policies. There has been mass migration of Latin Americans since the 1960s, to escape complex political situations and to search for better economic conditions – reasons that are not entirely separate. In Europe in particular, this phenomenon has changed identity maps in host countries, however these maps often remain hidden in the collective subconscious as a form of negativity. Likewise the community, social bonds and national identity of the migrant become diluted and restructured in a fluid way in the new altered spaces.
Ingrid Wildi Merino’s work deals with displaced people, their journeys and their dislocated condition in certain European societies. She creates maps of outsiders who do not integrate, but rather realise their distance and the layers that exist in the fabric of a particular society. This work is particularly relevant in a European context, as it reflects on a figure that has been made invisible or covered in subjective perceptions. It shows migrants’ stories and experiences, the significance that they themselves attach to their displacement, their objects, their poetry and their oral history (Francisco Godoy).
The artist describes her work as video essays, which create a map and a critical space for reflection, sufficiently removed from documentaries. She attempts to establish a different way of reading and a different analytical view of the dissolution of social and cultural bonds by using interviews in a non-journalistic way, as an artistic practice, combining and arranging fragments to create a new form of narration. Her artistic discourse, therefore, situates itself among mixed, migrant and fluid identities. The artist produces installations using various media, texts, video essays and photographs.
Screening of Los Invisibles by Ingrid Wildi Merino
Ingrid Wildi Merino, Los Invisibles, 2007
Five Colombian immigrants living clandestinely in Switzerland for many years evoke their situation, their suffering, their fears and the reasons that led them to leave their country. By discontinuous montage and the fragmentation of her interlocutors’ accounts, artist Ingrid Wildi builds up an arborescent address about the inherent problems around the status of clandestinity – identity conflict, issues of cultural and linguistic bond, difficulties with social integration.
In order to preserve their anonymity, only body fragments – torso and arms – of the interviewed persons are shown on screen, a device calling to mind simultaneously the missing part of the filmed subjects and their situation of “invisibility”.
Ingrid Wildi’s video essay paradoxically shows us the unseen, by putting into the spotlight a few of the many “invisible” co-citizens who surround us. Through her interviews, we are not only given the opportunity to see them, but also, and especially, to listen to them. While the facelessness of these clandestine witnesses underscores the difficulty of granting them a social identity, this same facelessness gives their migrant bodies a voice they are usually deprived of.
These voices refer to the very specific and current context of illegal Colombian workers in Switzerland. But this example is emblematic of a situation shared today by many other displaced persons, since, in our globalized world, the invisibility, intrinsic to the ineffable status of illegal workers, has become one of the most widespread side effects of economic growth.
Beyond the social distress they evoke, these testimonies weave also a polyphonic tale of the painful memory of exile. These invisible people, both actors and victims of the economic flows supposed to guarantee a common welfare, tell us here a story about the pursuit of happiness quite different from the one we tend to fantasize about, or the one we are told by those governing us.
Pedro Jiménez Morrás
September 2007
Archeology of the
Moving Image
Saturday, 31.01.2015
17:00h
Power relationship in moving images production
English (Deutsch siehe unten):
Workshop at 17:00h, ending with an apéro and soup at 20:00h
Let’s start with a critical statement : The act of filming induces a power relationship. Some of post ’68 french moviemakers, as Jean-Louis Comolli, see the moving image production as «pensées en acte» (thoughts as act). They question the distinction of fiction and documentary as well as the place of the spectator.
During this workshop, we will produce a diagram based on a selection of my videos and films. My proposal is to start out with the notions social realities, narrative operations and the place of the spectator, and to discuss some new approaches.
Cicero Egli, December 2014
Photo: J.J. Weibel
Deutsch (English above):
Workshop um 17:00h, mit anschliessendem Apéro und Suppe um 20:00h
Lasst mich mit einer kritischen Aussage beginnen: Der Akt des Filmens bewirkt eine Machtbeziehung. Einige der französischen Post-1968-Filmer, wie Jean-Louis Comolli, betrachten die Produktion von bewegten Bildern als «pensées en acte» (Gedanken als Akt). Sie hinterfragen die Unterscheidung zwischen Fiktion und Dokumentarischem sowie die Stellung der Zuschauer_in.
Im Verlauf des Workshops werden wir aufgrund einer Auswahl meiner Videos und Filmen ein Diagramm produzieren. Mein Vorschlag ist es, von den Konzepten der sozialen Wirklichkeiten, erzählerischen Operationen und der Stellung der Zuschauer_in zu auszugehen und einige neue Vorgehensweisen anzudenken.
Cicero Egli, Dezember 2014
Archeology of the
Moving Image
Wednesday, 30.09.2015
20:00h
Video Stories: Eine Oral History von Heinz Nigg
über unabhängiges Videoschaffen in den 80er-Jahren.
[English text below]
«Film in Bewegung» und Home of the Brave / Corner College präsentieren:
Im Oral History Projekt «Video Stories» kommen Videoschaffende zu Wort. Sie haben in der Schweiz während den 80er-Jahren die Erforschung des damals noch neuen Mediums Video massgeblich geprägt: in der 80er Jugendbewegung, in Do-it-yourself Projekten, in der ethnografischen Forschung, im Dokumentar- und Spielfilm sowie in der bildenden Kunst. Die Videoschaffenden erzählen von ihrem persönlichen Werdegang und wie sie mit dem Medium Video in Berührung kamen: Welche Erfahrungen machten sie mit Video? Wie prägte der Umgang mit Video ihr Leben und ihre weitere berufliche Entwicklung? Welche Auswirkung hat ihr Schaffen auf Kultur und die neuen Medien bis heute?
Heinz Nigg zeigt Ausschnitte aus seinen Videogesprächen mit Samir (Iraqi Odyssee), Christian Schmid (Video in der Stadtforschung), Thomas Krempke (Züri brännt) und Margrit Bürer (Community Video). Mit einer Diskussion über Oral History als transdisziplinäre Methode. Welche Bedeutung hat Oral History für Kunst, Forschung und Archive von urbanen Bewegungen?
Über die Veranstaltungsreihe «Film in Bewegung»
Durch das Internet wird heute das Arbeiten mit Filmkameras in sozialen Bewegungen und in der Alternativkultur vielfältiger und professioneller. Videos können ohne grossen Aufwand in verschiedenste Bewegungszusammenhänge eingebaut werden. Doch werden dadurch die Filme besser? Und erreichen sie auch ein Live-Publikum und nicht nur die online-community? In «Film in Bewegung» kommen Filmschaffende zu Wort, die Einblicke in ihre Arbeit geben und im Gespräch mit dem Publikum der Frage nachgehen, ob sich Anspruch und Wirklichkeit von Gegenöffentlichkeit decken - damals und heute.
Veranstalter
Konzeptbüro Rote Fabrik und AV-Productions NIGG in Zusammenarbeit mit Corner College (in der Reihe Home of the Brave) und dem Schweizerischen Sozialarchiv.
[Deutscher Text oben]
«Film in Motion» and Corner College present:
Video Stories: An Oral History by Heinz Nigg
about independent video in the Eighties
Heinz Nigg is a visual anthropologist and community artist in Zurich, Switzerland. He did social anthropology, history and political science at the University of Zurich, and finished his studies with an ethnographic documentation of alternative video and community media practise in the UK 1976-1980. Since then he has been working as an independent researcher and community artist. His fields of interest are social movements, alternative culture, youth protest, migration, urban development, media art and visual anthropology.
In the oral history project «Video Stories» the voices of video makers find expression. During the 80s they explored the then new medium video: in urban movements, in DIY-projects, in ethnographic field research, in filmmaking as well as in the visual arts. The video workers - as some called themselves - talk about their background and how they got in touch with video. How did they experience the new medium? How did video influence their lives and careers? What impact did the period of independent video have on their present understanding of media, art and politics?
Heinz Nigg shows excerpts of video interviews with Samir (Iraqi Odyssee), Christian Schmid (video in urban research), Thomas Krempke (Züri brännt) and Margrit Bürer (Community Video). The discussion also will focus on Oral History as a transdisciplinary method. How can Oral History contribute to understand processes of paradigm change in the visual arts, in cultural studies and urban movements?
About the series of events «Film in Motion»
Working with film in urban movements has become more varied and gained new channels of distribution through the use of the Internet. Without great efforts videos can be built into most different movement contexts. But has filmic representation of movement activities improved? And do movement films also reach out to a live audience and not only to an informed online-community of insiders? In «Film in Motion» filmmakers, artists, researchers and activists give valuable insights into their practise as film producers. How do claims of nurturing counter-public discourses match with reality - then and now?
Organised by Konzeptbüro Rote Fabrik and AV-Productions NIGG in cooperation with Corner College (in the series Home of the Brave) and Schweizerisches Sozialarchiv.
Archeology of the
Moving Image
Thursday, 26.11.2015
19:00h
Anina Schenker: Woher kommt die Energie?
Anina Schenker, pirouette, 2008, video high speed, 1000 pictures per second, color/sound, 1.10 min. Video still.
von und mit Anina Schenker. Ihre Gäste sind Hili Leimgruber & Jens Woernle, mit ihrem Dokumentarfilm "Casa das Minas – Das Heiligtum verstaubt" (80', 2012).
Türöffnung: 19:00h
Beginn: 19:30h
Anina Schenker ist Gast bei Home of the Brave: Archeology of the Moving Image. Eine Veranstaltungsreihe des Corner College.
Archeology of the
Moving Image
Friday, 29.01.2016
20:00h
Thomas Galler at Home of the Brave
Thomas Galler, Invader, 2009. Footage recorded in Night Shot mode at the collection of Aargauer Kunsthaus. Video stills, color, silent, 01:10:49.
[English below]
Im Rahmen der Corner College Ausstellung Cold. War. Hot. Stars. The Iron(y) Helmet of the Intellect ist Thomas Galler zu Gast bei Home of the Brave: Archeology of the Moving Image. Eine Veranstaltungsreihe des Corner College.
Screening einer Auswahl von Filmen Thomas Gallers aus dem letzten Jahrzehnt, und Präsentation des Künstlers mit anschliessender Diskussion.
[Deutsch siehe oben]
In the context of the Corner College exhibition Cold. War. Hot. Stars. The Iron(y) Helmet of the Intellect, Thomas Galler is guest at Home of the Brave: Archeology of the Moving Image. A series of events by Corner College.
Screening of a selection of films from the past decade by Thomas Galler, and a presentation by the artist followed by a discussion.
Archeology of the
Moving Image
Friday, 30.09.2016
20:00h
Video works by Maria Pomiansky
The main topic of my videos could be defined as immigration, and following transformations of a personality. I think each immigration takes a minimum of 5 years of your life till you start to feel connected to a new place, understand the language, unspoken rules, and so on. So it’s a traumatic process for everyone.
Somehow the fact that the Soviet Union (where I was born) doesn’t exist anymore reduces any possibility of going back, makes me look forward and try to adapt myself to an always new reality and new places. It became an important issue for me to learn a lot about the place where I live (first Tel-Aviv, and now Zurich) and try to build a dialog through my art practices (video and painting). The longer I live in Western Europe, the more interesting it becomes to analyze certain things about Soviet life. Sometimes the Soviet, Eastern European utopia I grew up with becomes thus a distorted reality in the West.
The earlier videos, filmed in Israel, were all based on one principle. I was filming people doing some similar action. That trick is now widely used in cinema, advertisement and music clips. But at the end of the nineties, when I made those films, it looked quite fresh and original. I did quite many short videos with the same people, mostly Russian immigrants in their first years in Israel. It wasn’t a random choice: these people were my friends. They were artists, musicians, actors, fashion designers, etc. That created a special mood and atmosphere.
Filming the raw material for my Trilogy documentary about the perception of beauty, fears and happiness, I had to travel to Tel Aviv and back to Zurich, and Moscow was initially in my mind as well which led me back to my roots. Trying to answer a question, where do I belong, I realized that there is no answer and I just have to let myself flow with stream of life and not be obsessive about the past.
Esther Eppstein über Maria Pomianskys Trilogie
Maria Pomianskys Film «Glück это глюк» (Happiness is a trip) ist der letzter Film aus der Trilogie (Beauty 2006, Fears 2009), einer Langzeitstudie über die Frage menschlicher Zustände, Sehnsüchte und Ängste. Maria Pomiansky ist im sowjetischen Moskau geboren, emigrierte Anfang der neunziger Jahre als Jugendliche nach Israel und lebt heute, seit bald zehn Jahren in Zürich. In diesen drei Städten ihres Lebenslaufs befragte Maria Pomiansky für ihre in 2005 begonnene Trilogie Bekannte, Freundinnen und Freunde über deren Einstellung zum Leben, zur Kunst, zur Liebe, zum Rausch, zur Ewigkeit und zur Vergänglichkeit. Jugend in Moskau, in Tel Aviv, in Zürich ... Die Künstlerin reist zwischen den Städten, findet das Verbindende, das Einzigartige und das gegenseitig Fremde zwischen Nahem Osten, West- und Osteuropa. Es wird Russisch, Hebräisch, Deutsch und Englisch gesprochen. Die Filmemacherin ist die kosmopolitische Weltbürgerin und distanzlose Beobachterin, wobei auch immer wieder unvermittelt ein diffuses Gefühl der Heimatlosigkeit, Verwirrung und Melancholie mitschwingt. Die Künstlerin führt ihre Protagonisten und die Zuschauer von leichten, verspielten Plaudereien zu tief berührenden existenziellen Gesprächen, die Kamera zeigt komponierte Bilder mit Gesichtern und Landschaften. Die Trilogie, während eines Zeitraum von fast zehn Jahren entstanden, zeigt die Veränderung und die Entwicklung der jungen Freunde. Die stark autobiografisch gefärbte Filmsprache bewegt sich zwischen Dokumentar- Reise- Experimental- und inszeniertem Kunstfilm. Maria Pomiansky sucht in ihrer Filmreise Antworten auf ihre ganz persönliche Frage der Zugehörigkeit. Der Film zitiert und mischt in Inhalt und Ästhetik das Kino jüdischer Diaspora, den russischen und sowjetischen Pathos und die Popkultur des Westens. Musik spielt in allen drei Filmen eine wichtige Rolle, ist für Maria Pomiansky ein Verbindungsglied zwischen den Kulturen in denen sie sich bewegt und die sich neben vieler Ähnlichkeiten, Gemeinsamkeiten und der Universalität menschlicher Bedürfnisse und Ängste doch auch sehr unterscheiden.
The text above by Esther Eppstein, along with a text about Maria Pomiansky's work more generally by Vadim Levin, is also available in printable layout as PDF (106KB).
Archeology of the
Moving Image
Saturday, 12.11.2016
19:30h
Lena Maria Thüring at Home of the Brave
Lena Maria Thüring, Future Me, 2015, HD Video, single channel, 16:9, colour, sound, 11 min 49 sec, German subtitles. Video still.
[English below]
Lena Maria Thüring ist zu Gast bei Home of the Brave: Archeology of the Moving Image. Eine Veranstaltungsreihe des Corner College.
[Deutsch siehe oben]
Lena Maria Thüring is guest at Home of the Brave: Archeology of the Moving Image. A series of events by Corner College.
Lena Maria Thüring’s work explores individual stories in a reflection on social systems and their underlying constructions using various media, such as photography, performance, video or installation.
The interview forms both the starting point and the staging ground for much of Lena Maria Thüring’s recent filmic work. Her films and videos explore how individuals forge their identities and shield their memories in the shadow of larger group dynamics and the socio-political systems in which they are cast, using personal narrative — its gaps and elisions, its specificity and opacity — to reveal how meaning is constructed, projected, protected, and perhaps deconstructed. Detaching the spoken narrative from the subjects’ bodies and even their voices, Thüring creates a fissure between seeing and hearing, identity and biography. Within this space we can consider the nature of memory, the power of words, and the significance of all that remains unsaid.
Born in Basel 1981, lives and works in Zurich.
Thüring’s work had been shown in solo exhibitions at the Kunsthaus Baselland (2012) and the Museum für Gegenwartskunst Basel 2013 and in groupshows and screenings at the Kunstmuseum Bern, Kunsthalle Basel, Haus der Kulturen Berlin, the Reina Sofia National Museum Madrid in Spain and the Palais de Tokyo in Paris. She received several awards including Swiss Art Award (2008), Kiefer Hablitzel Foundation Award (2011), Grant from Zurich City (2012), Manorkunstpreis Basel (2013) and two artist residencies in Paris (2009) and New York (2010).
Thüring is a member of the Fachausschuss Audiovision und Multimedia BS / BL.
http://www.lenamariathuering.ch/
Archeology of the
Moving Image